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“Medellín es una, en su belleza y en su tragedia. ¡Somos lo mismo!”. Laura Mora, la cineasta colombiana de ‘Matar a Jesús’

Matar a Jesús, el primer largometraje de Laura Mora, cuenta la relación que se va tejiendo entre una estudiante de Arte de clase media y el joven sicario que mató a su padre. La historia transcurre en Medellín en el año 2002, cuando en la vida real la ciudad fue asaltada por fuerzas paramilitares alentadas desde el Estado, en una mutación de la violencia que había pasado antes por la extravagancia psicópata del Cartel de Pablo Escobar y nunca había logrado quitarse de encima a la guerrilla de las FARC. También en la vida real ese año asesinaron al padre de la directora, un abogado y profesor universitario al que le dispararon seis veces cuando iba a almorzar con un amigo. A partir de ese dolor, la cineasta colombiana construye en Matar a Jesús una extraordinaria película de ficción sobre la opción de no contestar a la violencia con más violencia, sobre los sistemas de justicia en Estados fallidos y lo que valen o no valen las personas allí donde el último fin es ganar dinero. La ciudad de Medellín no es el escenario donde todo esto sucede. Es la tercera protagonista de este filme que ha ganado ya unos quince premios en festivales internacionales, incluyendo el de Mejor Película en el Festival de Guadalajara. Para la realización de Matar a Jesús, Laura Mora recibió la ayuda de Ibermedia a la Coproducción en la Convocatoria 2015. Tres años después, con motivo de su estreno en España, conversamos con ella.

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“De la periferia de donde vengo, ‘Cocote’ es la idea de un cine mulato, un cine-conversación”. Nelson Carlo de los Santos Arias habla de su brillante e inclasificable película

A mediados del año pasado, Cocote, la película del dominicano Nelson Carlo de los Santos Arias, se alzó con el Leopardo de Oro de la sección Signs of Life del Festival de Locarno. En su fallo, el jurado del histórico festival suizo celebró que el largometraje se llevara el premio “por su capacidad de reinventar creativamente las tradiciones del cine antropológico”. Hace unas semanas, Cocote volvió a ser premiada como Mejor Película de Ficción en el Festival de Cartagena de Indias (Ficci) de Colombia. La película narra la historia de un jardinero evangélico que trabaja en una casa adinerada de Santo Domingo. Cuando el jardinero se entera de que su padre ha muerto, interrumpe su trabajo para asistir al entierro. Ahí sabrá que su padre ha sido asesinado y se verá obligado a participar en cultos religiosos contrarios a su fe. Pero no sólo eso: su familia también espera que haga algo con el asesino. Sobre este argumento que tiene “más de western que de policial” (el héroe del western siempre tiene que transgredir la justicia para hacer justicia, según la famosa sentencia de André Bazin), De los Santos Arias presenta un filme extraordinario por su aguda exploración de la espiritualidad afroantillana, el cambio del color al blanco y negro, los distintos tamaños de la proyección en pantalla, un tratamiento sonoro insólito y un manejo de la fotografía que deslumbra por su perfección. El crítico y programador de festivales argentino Roger Koza lo entrevistó para la Revista Ñ del diario argentino Clarín y también para su gran publicación cinéfila Con los Ojos Abiertos.

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“Siempre he dicho que he dirigido comedias porque tengo un pésimo sentido del humor”. Conversamos con Gerardo Chijona, director de ‘Los buenos demonios’

Escrita por Daniel Díaz Torres y Alejandro Hernández sobre una novela de éste último, Los buenos demonios es la nueva película del director cubano Gerardo Chijona que pronto llegará a España vía el Festival de Cine de Málaga. La octava cinta de ficción de Chijona cuenta la historia de un muchacho con cara de niño bueno que supuestamente se gana la vida haciendo taxi en La Habana, aunque el espectador sabrá desde muy pronto que en realidad se trata de un asesino múltiple que asalta a los turistas para ayudar a sus vecinos y amigos con el dinero robado. Pero como advierte Chijona, que nadie se equivoque: no estamos ante un policial, ni una película de suspense ni ante el retrato de un sociópata. Si algo es Los buenos demonios es un acercamiento desde la moral a tres generaciones de cubanos —incluidos los más jóvenes, “hijos del período especial”, que crecieron con la crisis económica de principios de los noventa del siglo pasado— pero no desde el drama con pretensiones de trascendencia, sino como casi siempre en el cine de Chijona —y de Díaz Torres, el primer director que iba a tener el filme, fallecido antes de iniciar el rodaje—, persiguiendo una mirada personal que no excluye cierta dosis de comedia. Hace unos días tuvimos ocasión de ver la película por cortesía de Wanda Visión, la coproductora española, y de conversar con el maestro cubano, no por gusto formador de varias generaciones de jóvenes cineastas latinoamericanos desde sus clases de dirección en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños. Como suele ocurrir, con Chijona hablamos de varias cosas, no sólo de Los buenos demonios, y habríamos seguido hablando más si no fuese porque la cinta se acaba de estrenar en Cuba y el director no ha parado con la campaña de promoción (“el público se lleva la película para la casa, que es exactamente lo que todos queríamos”).

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Marcelo Martinessi, director de ‘Las herederas’, dos Osos de Plata en la Berlinale 2018. La necesaria voz del cine paraguayo

Sea con un cortometraje o con Las herederas, su ópera prima ganadora de dos Osos de Plata en el Festival de Cine de Berlín 2018, el eje imprescindible de las películas de Martinessi es Paraguay. El director cree que el trabajo que realiza es necesario en su país y que no tendría razón de ser en otro lugar del mundo. Conversaciones oídas en su infancia, vivencias cercanas o la oscura política de Paraguay son suficientes para que sienta la necesidad de contar historias a través del cine. El director recibió el Premio al Mejor Cortometraje en la sección Horizontes de la 73ª Muestra Internacional de Arte Cinematográfica de Venecia por La voz perdida, un trabajo sobre los campesinos masacrados en Curuguaty. Ahora, con Las herederas, que recibió apoyo del Programa Ibermedia en Desarrollo (2014) y Coproducción (2015), se centra en la complejidad del universo femenino y lo hace a través de la historia de una mujer mayor que se da cuenta de que el dinero que había heredado se está agotando. La cinta es una coproducción de Paraguay, Brasil, Alemania, Uruguay y Francia, un proyecto de gran magnitud, aunque para Martinessi el desafío es que siga siendo una película pequeña, coherente con su país y con la manera en que entiende su trabajo. En Ibermedia conversamos con él para que nos descubra las convicciones que hay detrás de su cine comprometido.

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Fernando Birri, constructor de utopías. Una lúcida y visionaria conversación con la periodista brasileña Mariluce Moura

“La palabra cine ya me suena conservadora. La imagen audiovisual tiene otras formas posibles además del cine. Estoy hablando de una nueva maquinaria de imágenes, de nuevas fantasmagorías, nuevas e insospechadas sombras electrónicas; mejor aun, luces electrónicas que, por ahora, apenas entrevemos”. En el escenario de la inmensa sala 1 del Memorial de América Latina en São Paulo, iluminado solamente en la pequeña zona destinada al personaje en escena, Fernando Birri, de 81 años, contemplaba así el futuro en su clase magistral, hacia el final de la mañana del 14 de julio de 2006, luego de ser presentado por el presidente del Memorial, Fernando Leça.

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“¿Hay personas más legitimas que otras? ¿Amores legítimos e ilegítimos?” Sebastián Lelio habla de ‘Una mujer fantástica’

Desde La sagrada familia (2006), su primer largometraje, el chileno Sebastián Lelio se ha metido siempre entre “las patas de los caballos”, como él dice. Ha tocado conflictos, prejuicios e hipocresías de nuestras sociedades contemporáneas que llevan al espectador a “pensarlo todo de nuevo” o, lo que es lo mismo, a formularse preguntas tan esenciales como las que dan título a esta entrevista. Pero nunca lo ha hecho desde la postura del provocador o del denunciante, que en el fondo es la más convencional, y “aburrida”, añadiría él. Si en su multipremiada Gloria (2013) encontró el adecuado tono pop para contar las peripecias vitales, amorosas y sexuales de una mujer solitaria a punto de entrar “en el otoño de la vida”, en Una mujer fantástica (2017) presenta un brillante melodrama sobre la historia de amor de una mujer transexual. “Un tema que de alguna manera sintetiza muchas cosas por las que estamos pasando como sociedad en Chile, pero también como sociedad humana”, le dice a Antonella Estévez en esta entrevista publicada en CineChile antes del estreno de la película en su país. Una mujer fantástica recibió ayuda de Ibermedia en la Convocatoria 2015, se alzó con el Oso de Oro al Mejor Guión en el Festival de Berlín y acaba de ser nominada a Mejor Película de Habla No Inglesa en los Oscar 2018.

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Rober Calzadilla: “En mi primer recuerdo de El Amparo yo vi personas, y esta película va de personas, no de personajes”

El 29 de octubre de 1988, dieciséis hombres de El Amparo, un pueblo amazónico de Venezuela, se embarcaron en una travesía fluvial por esa región colindante con Colombia. Iban a pescar, pero fueron pasando las horas, se hizo de noche, amaneció y ninguno había vuelto. Cuando ya los daban por desaparecidos, regresaron dos, pero no a sus casas, sino al calabozo de la comisaría del pueblo. Eran los únicos sobrevivientes. La versión oficial los acusaba de ser guerrilleros colombianos que se habían enfrentado a las fuerzas armadas venezolanas. Ellos siempre lo negaron, hasta hoy, casi treinta años después. El caso se conoce como “la masacre de El Amparo” y fue llevado a la Corte Interamericana de Derechos Humanos, pero sus autores intelectuales nunca fueron detenidos ni juzgados en un fuero civil. Sobre esta historia que marcó un punto de quiebre en la historia política y social del país, el cineasta venezolano Rober Calzadilla debuta en el largometraje con una película brillante y estremecedora. El Amparo ha recibido hasta ahora 25 premios internacionales, varios a la mejor película y otros tantos del público, en festivales tan importantes como los de Biarritz, São Paulo, La Habana o Milán. Es la candidata por Venezuela a los Goya 2018 y, a propósito de su estreno en Barcelona y Madrid, hace unos días conversamos con Calzadilla, un joven maestro de la nueva cinematografía latinoamericana. Ver, y leer, para creer.

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“Que sea todo el cuerpo el que comunique”. Una conversación con Anahí Berneri, la directora de ‘Alanís’, película imprescindible

Alanís, quinto largometraje de la argentina Anahí Berneri, es una película excepcional. No sólo por la puesta en escena y por la actuación de Sofía Gala Castiglione —y la de su hijo Dante Della Paolera— que en conjunto obtuvieron tres galardones en el reciente Festival de San Sebastián, sino porque aborda desde una mirada de género y también desde una ética del trabajo el tema de la prostitución como una decisión sobre el cuerpo y el ganarse la vida. En un mundo de desigualdades salvajes donde para muchos subsistir se parece a menudo a la esclavitud (desde el trabajo doméstico hasta los talleres clandestinos de las multinacionales de ropa y calzado), para mujeres como Alanís ejercer la prostitución es justamente una forma de no-explotación y de re-adueñarse de sus cuerpos y sus horarios, a decir de Berneri. En esta entrevista hablamos también de su personalísima cinematografía que, a partir de esta película, merece ser revisada retrospectivamente. Es ahí, en su realista e íntima mirada sobre la maternidad, el cuerpo y las relaciones entre mujeres y hombres en las que los roles de víctimas y victimarios están impregnados por la misma ideología de género y por eso a veces se confunden y parecen intercambiables, donde está la lúcida y persistente originalidad de su obra. Alanís se estrena en España el próximo 15 de diciembre. Pasen y vean.

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Federico Luppi, hombre duro, hombre político

Federico Luppi falleció el pasado el viernes 20 de octubre en Buenos Aires. Tenía ochenta y un años y seguía trabajando todos los días en proyectos artísticos y profesionales. Su amigo Guillermo del Toro, que debutó en la dirección con él en Cronos (con la que Luppi ganó el premio al mejor actor en Sitges) y que lo volvió a dirigir en otros clásicos de su filmografía como El espinazo del diablo y El laberinto del fauno (con la que juntos ganaron tres Oscar), escribió en Twitter: ”Federico Luppi se ha ido. Nuestro Olivier, nuestro Day Lewis, nuestro genio, mi amigo querido. Hombre bueno y leal. Adiós, Federico”. A ese adiós se fueron sumando voces tan diversas como las de Juan Antonio Bayona, Antonio Banderas o Marcelo Schapces, el último en dirigirlo en la aún inédita Necronomicón. A esas voces se suma en exclusiva para este portal la de su compatriota, el escritor argentino Facundo Piperno.

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Julia Solomonoff: “Gracias a la coproducción, siempre va a ver alguien en varios países defendiendo tu película”

Nadie nos mira, el tercer largometraje de Julia Solomonoff, ofrece un punto de vista original sobre los inmigrantes latinoamericanos en Estados Unidos. Mientras el debate condicionado por la política antiinmigratoria de la Era Trump se centra en el asunto fronterizo, la directora y productora argentina reflexiona sobre la redefinición vital que supone quedarse a vivir ahí una vez expirada la visa, situación que afecta al 40% de los inmigrantes indocumentados en ese país. La cuestión no es sólo obtener una Green Card, sino descubrir qué lo lleva a uno a quedarse en un lugar donde las puertas están cerradas. En la película, Nico es un actor que abandona su carrera en Argentina debido a la ruptura sentimental con su amante/productor/mentor, un hombre casado, y se muda a Nueva York confiado en que su talento lo ayudará a encontrar el éxito por cuenta propia. Pero no será así: “demasiado rubio” para interpretar a “personajes latinos” y con un acento muy marcado para cualquier otro papel, deberá hacer malabares para sobrevivir. Por las condiciones de su realización, la película, que recibió ayuda a la coproducción de Ibermedia en la Convocatoria 2014, es clave para entender la revitalización y el reconocimiento cada vez mayor del cine latinoamericano actual. Mariano Oliveros, de Ultracine, conversó con ella.

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“Tengo la firme convicción de que las películas sí cambian el mundo”. Entrevista con Violeta Ayala, directora de ‘El caso boliviano’

El caso boliviano, el segundo largometraje de Violeta Ayala, es uno de los seleccionados para la programación de Ibermedia TV 2017-2018 que se está emitiendo actualmente en los canales públicos de TV adscritos al programa. Así como en su primer documental, Stolen (2009), la realizadora boliviana lograba encender una luz y una alarma sobre la situación de esclavitud en que viven muchas personas en los campamentos de refugiados saharauis, en El caso boliviano (2015) vuelve a poner el dedo en otra llaga poco difundida: el trato discriminatorio que los medios de comunicación y los jueces dan a los pequeños transportadores de droga dependiendo de quien sea la burrita o el burrito detenido. La película cuenta la historia de tres chicas noruegas —Christina Øygarden, Stina Brendemo y Madeleine Rodríguez— que fueron encarceladas en Cochabamba por ese motivo. Lo asombroso es que lo hace a ritmo de thriller, siguiéndolas en sus fugas, colándose en sus vidas privadas y viajando hasta Noruega para registrar sus juicios con una veracidad que ya quisiera para sí la televisión de ese país. En esta entrevista concedida a Santiago Espinoza para el suplemento Ramona del diario Opinión, Ayala habla muy alto sobre lo que para ella es el cine documental y su poder artístico para cambiar las cosas.

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CAACI

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