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“Ninguno de los creadores de hoy podría prescindir de los que vinieron antes”. Conversamos con la actriz chilena Antonia Zegers

Entre finales de mayo y a lo largo de junio se celebró en Madrid, París, Berlín y Los Ángeles la Semana del Cine Chileno, una muestra itinerante de diez de las mejores películas realizadas en ese país en los últimos diez años, seleccionadas por diez de los más importantes programadores del cine mundial. En Madrid, las películas fueron presentadas por sus actrices y actores protagonistas: Daniela Vega lo hizo con Una mujer fantástica, de Sebastián Lelio; Paulina García, con Gloria, también de Lelio; Alfredo Castro, con No, de Pablo Larraín, al lado de Antonia Zegers, quien además presentó El Club, de Larraín, y Tarde para morir joven, de Dominga Sotomayor. En realidad, Antonia Zegers podría haber estado también en la presentación de Una mujer fantástica, haciendo honor a su actuación en cuatro de las diez películas elegidas para la muestra. Dado que hace poco la vimos en la magnífica Los perros, de Marcela Said, y en varias otras películas apoyadas por Ibermedia, la elegimos a ella para conversar sobre el impresionante salto que ha dado el cine chileno en los últimos años, lo cual es una estupenda noticia para la nueva cinematografía iberoamericana en general, tanto en calidad como en número de obras producidas. Si hay alguien cuyo nombre simboliza la madurez que ha alcanzado nuestro cine en todo sentido es Antonia Zegers. Más aun, como si todo esto fuera poco, es un auténtico placer conversar con ella.

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Finaliza el rodaje de ‘Las consecuencias’, de Claudia Pinto, en las islas La Gomera y La Palma de Canarias

Con su primer largometraje de ficción, La distancia más larga, la guionista, directora y productora venezolana Claudia Pinto Emperador fue nominada a los Goya y ganó nada menos que 17 premios internacionales, entre ellos el Glauber Rocha a la Mejor Película de América Latina en el Festival Des Films Du Monde en Montreal, Canadá, y el premio a la Mejor Ópera Prima en los Premios Platino del Cine Iberoamericano. Un lustro después acaba de rodar su segundo largo, Las consecuencias, en las islas La Gomera y La Palma de Canarias, y en la ciudad de Valencia. La película es una producción de Sin Rodeos Films, Las Consecuencias AIE y Érase una vez Films de España, en coproducción con N279 Entertainment de Holanda y Potemkino de Bélgica, que recibió el apoyo al Desarrollo de Ibermedia en la Convocatoria 2015. Además, es la primera gran producción española que se rueda en el archipiélago canario con un reparto internacional de primera línea encabezado por la colombiana Juana Acosta, el chileno Alfredo Castro, el argentino Héctor Alterio, las españolas Carme Elías, Sonia Almarcha y la debutante María Romanillos. He aquí un extraordinario reportaje fotográfico firmado por Saúl Santos del rodaje en las islas Canarias, que finalizó el pasado 27 de junio.

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‘Ceniza negra’, una película para “entender que la naturaleza de la vida es la separación”. Conversamos con su directora Sofía Quirós

Ceniza negra narra la historia de Selva, una adolescente de 13 años que vive con su abuelo, el Tata, en un pueblo del caribe de Costa Rica. Sin sus padres, que ya no están a su lado para guiarla, y rodeada de un entorno feraz que influye sobre cada uno de sus actos y emociones, Selva irá adquiriendo una consciencia y una sabiduría inusuales en una chica de su edad. Tendrá que vérselas no sólo con el Tata, que aparentemente tiene “visiones”, sino con una mujer mayor y alcoholizada que les hace compañía y la educa en su feminidad, y con el propio descubrimiento de su cuerpo en relación con ese otro gran cuerpo que es la naturaleza en la gran cultura latinoamericana. Así es como Selva descubrirá que la muerte no es una interrupción de la vida, sino una mudanza a otra dimensión, y eso le dirá algo, la dotará de una mirada. Ceniza negra_aficheSobre esta premisa dramática que entronca con una cosmovisión precolombina hoy en retroceso en una América Latina cada vez más urbana y supuestamente cosmopolita, la costarricense nacida en Argentina Sofía Quirós Úbeda debuta en el largometraje con una película sobresaliente, inusual también para una cineasta joven con tres cortos en su haber (incluidos los muy celebrados y premiados Al otro lado y Selva). Ceniza negra, que recibió el apoyo de Ibermedia a la Coproducción en la Convocatoria 2017, se estrenó en el reciente Festival de Cannes, en el que estuvo nominada a la Cámara de Oro y el Gran Premio de la Semana de la Crítica, y actualmente compite por el Premio al Mejor Director Emergente en el Festival de Múnich.

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Adrián Solar, presidente de la FIPCA: “Lo de ‘Avengers: Endgame’ en Iberoamérica es un pésimo precedente a futuro”

Hace unos días arrancó en Madrid la Semana del Cine Chileno, un ciclo itinerante de diez de las mejores películas de ese país producidas en los últimos diez años que se proyectará también en París, Berlín y Los Ángeles (Estados Unidos). Con motivo de esa celebración estuvo en España el reconocido productor chileno Adrián Solar, quien además acaba de ser reelegido como presidente de la Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales (FIPCA). La visita de Solar era noticia por varios motivos. No sólo porque recientemente también se celebró la sexta edición de los Premios Platino —una iniciativa para destacar el valor del cine iberoamericano y fortalecer la industria en nuestros países en cuya creación participó activamente la FIPCA— sino porque en ella la FIPCA emitió un comunicado llamando la atención sobre los métodos de monopolización cada vez más agresivos de los estudios de Hollywood para estrenar sus películas en la región. De todo esto, así como de la paralización del potente cine brasileño tras la elección de Jair Bolsonaro, del cine iberoamericano en general, del centroamericano, del chileno y de las películas que Solar sigue produciendo como el gran cineasta que es, conversamos ampliamente en esta entrevista. Un acercamiento al cine de nuestros países desde la gestión, la industria y también por supuesto desde la pasión, el primer requisito para hacer cine en Iberoamérica.

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“Quería que el espectador viera la película como si mirara con los ojos de Frida Kahlo”. Ishtar Yasin habla de ‘Dos Fridas’

En los próximos días, la coproducción costarricense-mexicana Dos Fridas dirigida por Ishtar Yasin se presentará en dos festivales internacionales que incrementarán exponencialmente el éxito que ya está teniendo esta película sobre la relación de la artista mexicana Frida Kahlo con su enfermera costarricense Judith Ferreto. Se trata del 7º Festival Internacional de Cine de Costa Rica donde Dos Fridas se proyectará el miércoles 3 y el viernes 5 de abril (Cine Magaly y Sala Garbo, respectivamente) y muy especialmente el 35º Chicago Latino Film Festival donde la nueva película de la directora, guionista, productora y actriz costarricense Ishtar Yasin se proyectará el lunes 8 y el miércoles 10 de abril (ambas fechas en el AMC River East 21 Theatre). Dos Fridas_posterEn el CRFIC de Costa Rica Dos Fridas tendrá en cierta forma su “estreno local” —con la ilusión que eso conlleva—, mientras que en el CLFF de Chicago la expectativa será máxima teniendo en cuenta que fue en la comunidad latinoamericana afincada en Estados Unidos donde nació el “mito” Frida Kahlo y se extendió por el mundo hasta convertirla en la artista latinoamericana más reconocida de la historia. Artistas, feministas, artesanas y mujeres inmigrantes en general tendrán la oportunidad de re-conocer momentos en la vida de la pintora mexicana que hoy resultan claves para comprender su arte como un icono de la cultura mestiza de raíces indígenas. Estas presentaciones serán la lógica continuación de un exitoso recorrido internacional que empezó en las Noches Negras de Tallin, en Estonia, siguió en el Festival Internacional de Cine de Mujeres de Aswan, Egipto, y proseguirá en Italia y el Líbano, entre otros países. Un inicio fulgurante que recuerda al de El camino, la más premiada y aplaudida película de Ishtar Yasin hasta el momento. De todo esto hablamos con ella en esta entrevista. Ah, por cierto: Dos Fridas recibió la ayuda a la Coproducción en la Convocatoria 2015.

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“Revolucionarse todos los días de la vida”. El homenaje de Orlando Senna a Rigoberto López

Mientras trabajaba en la postproducción de la que será su última (y póstuma) película, El Mayor, falleció el cubano Rigoberto López, “cineasta cabal”, como lo describió Granma al rendirle homenaje. López es el realizador de obras tan significativas de la cinematografía cubana como los documentales El viaje más largo (1987), Yo soy, del son a la salsa (1996), Puerto Príncipe mío (2000) y los largometrajes de ficción Roble de olor (2003), Vuelos prohibidos (2015) o el ya mencionado El Mayor, que recrea la vida del héroe de la independencia de su país Ignacio Agramonte. Vuelos prohibidos_Rigoberto López_cartelLicenciado en Ciencias Políticas por la Universidad de La Habana y guionista y productor además de director, se le recuerda también como el gran impulsor de la Muestra Itinerante de Cine del Caribe que ha dado visibilidad al arte de la región a la que Cuba pertenece. El músico José Maria Vitier, autor de una treintena larga de bandas sonoras, se despidió de él con estas palabras: “Hasta el último momento estuvo consagrado a terminar la película que será ahora su obra póstuma, El Mayor, cuya filmación y primera edición logró ver terminada. Junto a las sinceras condolencias a sus familiares, valga nuestro compromiso de contribuir, en la parte que nos toca, a concluir su película a la altura que él la soñó”. A las palabras de Vitier queremos sumar desde Ibermedia las que escribió el escritor y cineasta brasileño Orlando Senna en su blog Refletor con motivo de la exhibición de Vuelos prohibidos (“Voos proibidos”, en portugués) en la 8ª edición del Encuentro de Cine Negro Brasil, África y Caribe.

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“Una película se escribe desde lo humano, desde el personaje; la política es el contexto”. Marcela Said habla de ‘Los perros’

A menudo el premio a la Mejor Película Iberoamericana de los Goya recae en la favorita que comparten el público y la crítica. Este año no sólo es que las favoritas sean dos (Roma, del mexicano Alfonso Cuarón, y El ángel, del argentino Luis Ortega) sino que junto a ellas compiten otras dos grandísimas películas con las posibilidades intactas de ganar: La noche de 12 años, del uruguayo Álvaro Brechner, y la extraordinaria Los perros, de la chilena Marcela Said. Estas dos últimas, además, son “las de Ibermedia”, pues ambas recibieron ayudas del Programa para su realización. La noche… recibió dos: ayuda al Desarrollo en la Convocatoria 2014 y a la Coproducción en 2016, y Los perros ayuda a la Coproducción también en 2016. Los perros_cartel 1Los perros cuenta la historia de Mariana (Antonia Zegers), una mujer de clase alta chilena a la que no toman en serio los hombres que la rodean. Ni siquiera su padre, uno de los empresarios más renombrados del país, ni su marido, un argentino exiliado en Chile con familiares víctimas de la dictadura argentina. Esta exploración del machismo que se da en la alta burguesía chilena (y latinoamericana) descansa sobre otra historia política, la de los secuestros y asesinatos de la dictadura de Pinochet, encarnada en el tercer hombre que rodea a Mariana: Juan (Alfredo Castro), su profesor de equitación, un ex coronel que está siendo juzgado por sus crímenes contra la humanidad. ¿Quiénes son “los perros” del título? He ahí la pregunta que Marcela Said responde brillantemente a través de esta película que se estrenó en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y desde entonces ha ganado una docena de premios internacionales como el Horizontes Latinos en San Sebastián o el Premio del Jurado en el Festival de Biarritz. En Ibermedia conversamos largamente con ella.

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“Escribir un guión no es una consecución de cosas que tienen lógica, sino de cosas que quieres ver”. Conversamos con Gustavo Rondón Córdova, director de ‘La familia’

Con 16 premios internacionales, otros seis en su país y tras un recorrido por más de 50 festivales en el mundo, hace unos días se estrenó en España La familia, la extraordinaria ópera prima del venezolano Gustavo Rondón Córdova. La película, que además fue la elegida en Venezuela para representar al país en los Oscar 2019, cuenta la huida que deben emprender Pedro, un niño-preadolescente de doce años, y Andrés, su padre, después de que el chico hiere gravemente a otro por defenderse en una pelea callejera. Hasta ese momento padre e hijo han vivido solos en un barrio pobre de Caracas, rodeados de violencia y sin tiempo para verse. La familia_aficheDe la mamá del muchacho no se sabe nada, y ése es el primer gran acierto de la película: en un continente donde la figura familiar predominante es la madre, donde el padre suele ser el personaje ausente que no pocas veces ha huido abandonando a sus hijos, La familia explora el modelo opuesto. Andrés es un padre lleno de amor pero sin tiempo para mostrarlo a través del afecto: tiene dos trabajos, uno de ellos nocturno, y con frecuencia no vuelve a dormir a casa. Su obligada huida para proteger a Pedro pondrá a prueba una relación basada hasta ese momento en las carencias, el silencio y unos pocos retazos afectivos. ¿Es posible construir una familia a partir de esos retazos? Con las ideas claras de quien no dudó en irse a estudiar cine a la República Checa, Rondón responde a ésta y otras preguntas en la entrevista que le hicimos hace unos días a su paso por España.

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Esculpiendo ‘Kokue’

El 16 de noviembre terminó en Madrid el 16º Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos Iberoamericanos que dirige Gerardo Herrero y coordina Mariana Barassi para el Programa Ibermedia, la Fundación Carolina, la AECID, la Fundación SGAE y la Entidad de Gestión de Derechos Audiovisuales (EGEDA). Los autores de los veinte proyectos seleccionados dedicaron seis semanas a la escritura de sus guiones a partir de un riguroso trabajo de análisis y desarrollo sobre la escritura cinematográfica bajo la asesoría de reconocidos directores, guionistas, productores y consultores de guiones (story editors) como Montxo Armendáriz, Daniela Fejerman, Alejo Flah, Jaime Rosales, Ana Sanz-Magallón, Fernando Castets, Michel Gaztambide, Susana Herreras o Félix Viscarret. Uno de ellos fue el paraguayo Miguel Ángel Agüero, que se presentó con la película Kokue, palabra que en su lengua materna, el guaraní, significa chacra o parcela donde se cultiva. Agüero tuvo la suerte de tener como tutores a Alejo Flah y a Jaime Rosales, tres semanas con cada uno. Aquí lo cuenta. Una crónica honesta, fresca e inspiradora para quien quiera hacer cine en Iberoamérica.

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“Los Andes no es sólo ese indiecito que está cruzando la puna tocando un lamento con su quena”. Conversamos con Marcos Loayza, el director boliviano de ‘Averno’

Hay un lugar donde los vivos y los muertos se encuentran, y donde ciertos demonios ayudan a cruzar de un mundo a otro, aunque no sea fácil demostrarles que uno se merece esa ayuda. Es un lugar del que no hay nada escrito pero que existe en el imaginario de la gente de los Andes. A ese lugar debe llegar Tupah para buscar a su tío. He aquí el punto de partida de Averno, la nueva película del reconocido director boliviano Marcos Loayza que ya se estrenó en Uruguay, Bolivia y Argentina, se alzó con dos importantes premios en el Festival de Gramado, Brasil, y representará a Bolivia para competir en los Premios Goya por el galardón a la Mejor Película Iberoamericana. Como dice Loayza en esta entrevista que le hicimos hace unos días, Averno es un “viaje del héroe andino” por los mundos e inframundos que cohabitan las ciudades sudamericanas desde una cosmovisión que no es sólo occidental, y en ese sentido es también una búsqueda de la esencia del continente y una indagación acerca de su identidad. Averno_Marcos Loayza_afichePero, ¡atención!, Averno no insiste en los tópicos que se suelen vender de los Andes para el fácil consumo de Occidente. No hay “solamente indiecitos cruzando la puna tocando lamentos con su quena”. A mitad de camino entre una película de aventuras y una comedia costumbrista, realista pero al mismo tiempo fantasiosa, Averno es sobre todo una relectura “desde los Andes” de los mitos que nos configuran como sociedad. El héroe andino, recuerda Loayza, no desafía ni se enfrenta a los dioses, no tiene la rebeldía del héroe clásico, sino que sabe adaptarse y dejarse llevar. Quizá ésta sea la mejor actitud para ver y disfrutar Averno: dejarse llevar. Tiene tantas capas y lecturas, de la más cinematográfica-contemporánea a la más compleja-literaria-antropológica, que merece la pena extraviarse por sus múltiples relatos. En todos los casos, la aventura está asegurada.

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Cuando los victimarios de una dictadura tienen mucho que decir. Conversamos con Lissette Orozco, la directora chilena del impresionante documental ‘El pacto de Adriana’

Hay un nuevo tipo de documental en América Latina. Está narrado en primera persona, apunta a los victimarios de las dictaduras y conflictos armados que azotaron el continente entre las décadas del sesenta y noventa y, más que la denuncia reivindicativa, busca encender una nueva luz sobre la verdad de los hechos. Una verdad, todo sea dicho, que es negada o silenciada sistemáticamente por esos victimarios, bien para evadir la justicia y protegerse unos a otros, o bien porque son tan escalofriantes los actos de secuestro, tortura y asesinato en los que participaron que reconocerlos supondría admitir que alguna vez fueron más monstruos que humanos. Es en estas coordenadas que toca situar El pacto de Adriana, el extraordinario debut de la joven guionista y directora chilena Lissette Orozco, un documental que fue el gran triunfador de la Berlinale 2017 y sigue sumando premios y aplausos en festivales internacionales tan renombrados como los de Chicago, Moscú o Taiwan. El pacto de Adriana_aficheOcurre que Adriana Rivas, la protagonista de la película, es su tía, la persona a la que más admiraba Orozco cuando era niña: su  “ídola”, como todavía la llama. Y ocurre también que esta tía, fuerte, independiente y de mucho mundo como era, trabajaba para la temible DINA, la Dirección de Inteligencia Nacional o policía secreta del dictador chileno Augusto Pinochet. En El pacto… nunca queda claro hasta qué punto la tía participó de los espantosos actos que se imputan al comando de la DINA al que pertenecía. Ése es el gran mérito de Orozco. El lograr, pese a todos los consejos en contra que tuvo que oír a lo largo de la década en que estuvo rodando su película, que el espectador comparta primero la fascinación por su tía, luego sus dudas y finalmente que cada quien haga su propio juicio. Eso no es nada fácil, sobre todo tratándose de un documental que con su mirada particular e íntima no deja de recordarnos a todos lo brutal y asesina que fue la dictadura pinochetista. La directora estuvo hace poco en España invitada por la Casa de América para presentar su película y dar una charla sobre documentales biográficos, y tuvimos el placer de conversar largamente con ella.

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