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Julia Solomonoff: “Gracias a la coproducción, siempre va a ver alguien en varios países defendiendo tu película”

Nadie nos mira, el tercer largometraje de Julia Solomonoff, ofrece un punto de vista original sobre los inmigrantes latinoamericanos en Estados Unidos. Mientras el debate condicionado por la política antiinmigratoria de la Era Trump se centra en el asunto fronterizo, la directora y productora argentina reflexiona sobre la redefinición vital que supone quedarse a vivir ahí una vez expirada la visa, situación que afecta al 40% de los inmigrantes indocumentados en ese país. La cuestión no es sólo obtener una Green Card, sino descubrir qué lo lleva a uno a quedarse en un lugar donde las puertas están cerradas. En la película, Nico es un actor que abandona su carrera en Argentina debido a la ruptura sentimental con su amante/productor/mentor, un hombre casado, y se muda a Nueva York confiado en que su talento lo ayudará a encontrar el éxito por cuenta propia. Pero no será así: “demasiado rubio” para interpretar a “personajes latinos” y con un acento muy marcado para cualquier otro papel, deberá hacer malabares para sobrevivir. Por las condiciones de su realización, la película, que recibió ayuda a la coproducción de Ibermedia en la Convocatoria 2014, es clave para entender la revitalización y el reconocimiento cada vez mayor del cine latinoamericano actual. Mariano Oliveros, de Ultracine, conversó con ella.

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“Tengo la firme convicción de que las películas sí cambian el mundo”. Entrevista con Violeta Ayala, directora de ‘El caso boliviano’

El caso boliviano, el segundo largometraje de Violeta Ayala, es uno de los seleccionados para la programación de Ibermedia TV 2017-2018 que se está emitiendo actualmente en los canales públicos de TV adscritos al programa. Así como en su primer documental, Stolen (2009), la realizadora boliviana lograba encender una luz y una alarma sobre la situación de esclavitud en que viven muchas personas en los campamentos de refugiados saharauis, en El caso boliviano (2015) vuelve a poner el dedo en otra llaga poco difundida: el trato discriminatorio que los medios de comunicación y los jueces dan a los pequeños transportadores de droga dependiendo de quien sea la burrita o el burrito detenido. La película cuenta la historia de tres chicas noruegas —Christina Øygarden, Stina Brendemo y Madeleine Rodríguez— que fueron encarceladas en Cochabamba por ese motivo. Lo asombroso es que lo hace a ritmo de thriller, siguiéndolas en sus fugas, colándose en sus vidas privadas y viajando hasta Noruega para registrar sus juicios con una veracidad que ya quisiera para sí la televisión de ese país. En esta entrevista concedida a Santiago Espinoza para el suplemento Ramona del diario Opinión, Ayala habla muy alto sobre lo que para ella es el cine documental y su poder artístico para cambiar las cosas.

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“Un editor de cine básicamente intuitivo”. Conversaciones con Nelson Rodríguez, maestro del cine cubano y latinoamericano del siglo XX

Nelson Rodríguez es el editor de Memorias del subdesarrollo de Tomás (Titón) Gutiérrez Alea; de Lucía y Cecilia de Humberto Solás, y de La primera carga al machete de Manuel Octavio Gómez, tres películas consideradas clásicos de todos los tiempos del cine cubano. También de La tierra prometida y La viuda de Montiel del chileno Miguel Littín; de Tiempo de morir del colombiano Jorge Alí Triana con guión de Gabriel García Márquez, y de Danzón de la mejicana María Novaro. Y así podríamos seguir. Capaz de entregar el primer corte de un largometraje en cinco días y de sorprender al mismísimo director con el resultado, Nelson Rodríguez Zurbarán es un auténtico maestro de su oficio, el de “armar el muñeco” y dar sentido a los fragmentos que el realizador a menudo tiene como un caos en la cabeza. Ganador de numerosos premios incluido el Nacional de Cine de Cuba, Rodríguez ha pasado a formar parte de la colección permanente de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de EE.UU. dentro de su programa de Historia Visual, todo un homenaje de Hollywood al arte del cine cubano que él representa. También fue invitado junto a la actriz Daisy Granados al estreno de la copia restaurada de Memorias del subdesarrollo —con introducción de Martin Scorsese— en el Getty Research Institute de Los Ángeles, y acaba de recibir emocionado la noticia del estreno en el Festival de Cannes de la copia también restaurada de Lucía, de Humberto Solás, editada y coguionizada por él. En el tráfago de estos días trepidantes, conversamos con él.

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Padre país, madre patria. Un ensayo de José Carlos Avellar, pensador del cine brasileño y latinoamericano

El crítico, ensayista y gestor cultural José Carlos Avellar fue un pensador fundamental del cine brasileño y latinoamericano. Dejó siete libros, entre ellos uno inédito sobre las representaciones familiares en el cine brasileño que el Instituto Moreira Salles publicó recientemente con el mismo título del ensayo que reproducimos aquí, Pai país, mãe pátria, fragmento de dicha obra. Avellar fue también jurado de importantes festivales internacionales como los de Venecia y Cannes, y durante muchos años representó a Brasil en el Festival de Berlín. Como director de la distribuidora RioFilme, contribuyó a la realización de 94 largometrajes, varios de ellos considerados hoy clásicos del cine brasileño y latinoamericano. Fue director de la Cinemateca del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y coordinador de cine del Instituto Moreira Salles, para el que creó una colección de películas indispensables en DVD, y fue un gran colaborador del Programa Ibermedia. El brillante texto que vamos a leer se lo debemos a la generosidad de su viuda, Claudia M. Duarte, y del Instituto Moreira Salles. Gracias a todos ellos y en especial a ti, amigo Carlos: era así como te llamábamos.

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Mariano Cohn y Gastón Duprat. La comedia incómoda según los creadores del cine Frankenstein

Las cuatro películas de ficción que se han estrenado hasta hoy bajo la firma del dúo de directores argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat —El artista, El hombre de al lado, Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo y El ciudadano ilustre— no sólo son un regalo para el espectador, cinéfilo o no, sino que juntas pueden ser vistas como una clase magistral de lo que es hacer cine de autor pensando al mismo tiempo en el gran público. El ciudadano ilustre, la más reciente y celebrada de las cuatro (Goya a la mejor película iberoamericana; premio del jurado joven y al mejor actor para Oscar Martínez en el Festival de Venecia; mejor película en el Festival de Haifa, Israel; mejor guión y premio de la prensa en el Festival de La Habana), es un buen ejemplo de ello. Sobre la historia engañosamente sencilla de un Premio Nobel de Literatura que regresa después de cuarenta años al chabacano pueblito donde nació, Cohn y Duprat demuestran una vez más que están poderosamente dotados para lo que ellos mismos llaman la “comedia incómoda”, un híbrido tan original como difícil de mantener en equilibrio, dirigido a provocar tanto sonrisas como una sensación de helada inquietud, cuando no abiertamente desasosiego. He ahí tal vez la principal clave de su éxito: donde unos destacan la inteligencia de sus diálogos, su afán por hurgar sin miramientos en lo imprevisible de la condición humana o su calmosa puesta en escena, muy cercana al documental, otros, es decir, los mismos, van a sentir que simplemente ante una película como El ciudadano ilustre uno no se puede mover de su butaca ni dejar de comer pochoclos. En esta conversación, el dúo Cohn-Duprat, además de explicar por qué en realidad son una banda de cuatro, hablan de sus nuevos proyectos: Todo sobre el asado, estrenada en el reciente Festival de San Sebastián, Manual de supervivencia y 4×4, así como de su largo noviazgo con la TV, su gran laboratorio de experimentación artística.

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Un haiku para un camino

Con Los hombres ríen, trabajan, se van, título provisional de su próximo largometraje, la cineasta peruana Sofía Velázquez obtuvo una beca para participar en el II Taller Andino de Ideas que se realizó en Lima el pasado setiembre. La convocatoria estaba abierta a proyectos documentales, de ficción o híbridos, y Velázquez, en Los hombres ríen…, se atrevía con una película que mezcla ficción, poesía y ensayo a través de su propia relación con la obra de César Vallejo y con su padre. Sí, un cóctel raro, como ella misma admite en esta crónica fabulosa de su experiencia en el taller y, en especial, de las luces que encontró caminando al lado de su asesor Andrés Duque. Que nadie deje de leer este texto, una clase magistral de lo que es un taller de ideas escrita desde la humildad de una aspirante a producir una obra memorable. Anoten su nombre: Sofía Velázquez.

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‘Belén’, el retrato más inspirador de ‘La reina del quitiplá’

Belén es la ópera prima de la antropóloga y cineasta venezolana Adriana Vila Guevara. Todo comenzó como un trabajo de campo etnográfico en Tapipa, Barlovento, como parte de una tesis antropológica sobre la labor de las mujeres en la construcción de la memoria y representación afrovenezolana, y allí es donde conoció y vivió durante cuatro meses con Belén María Palacios, ‘La reina del quitiplá’. Pero Belén murió en 2009, en el inicio del proyecto documental, y Adriana Vila tuvo que dar un giro a su trabajo, caminar sobre las huellas de Belén, rehacer sus recorridos para la construcción no sólo de un pasado, de una ausencia, sino del presente, de una presencia. Pasaron ocho años entre el trabajo de campo, el descubrimiento de Belén, el inicio de un proyecto cinematográfico, la pérdida de Belén y la transformación de este proyecto. Belén, que recibió apoyo del Programa Ibermedia y que acaba de ganar el premio del público en el festival CaracasDoc, es un rompecabezas de tiempos, espacios y vínculos, un retrato inspirador de esta agricultora, cacaotera y música venezolana, y un homenaje a su contexto, a su pueblo.

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La vida cinematográfica de Fidel Castro

El pasado viernes 25 de noviembre murió Fidel Castro, el Comandante en Jefe de la Revolución Cubana y, sin ninguna duda, el gobernante latinoamericano que más contribuyó al desarrollo del cine de nuestros países. El Programa Ibermedia y en especial los cineastas latinoamericanos, que tanto le deben al Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos (ICAIC), al Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, a la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano (FNCL) y a la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños (EICTV), todos proyectos impulsados por él, sentimos su pérdida como la del estupendo amigo del cine que fue. El escritor y guionista Senel Paz le rinde homenaje en nombre de todos.

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Pepa San Martín: “Los directores de cine, antes que nada, queremos decir algo”

Sara tiene 12 años, no sabe si le gusta o no un chico de su colegio ni tampoco si contarle un secreto a su mejor amiga. A las confusiones propias de la entrada en la adolescencia se suma el tener que asimilar que su madre está enamorada de otra mujer y que esa relación, en la sociedad ultraconservadora en la que vive, puede hacer que un juez ordene que ella y su hermana pequeña tengan que irse a vivir con su padre. A partir de esta premisa dramática, inspirada en la historia real de la jueza Karen Atala a la que el Estado chileno le retiró la custodia de sus hijas por su orientación sexual, la debutante Pepa San Martín construye una película tan sorprendente, elegante y equilibrada en sus dosis de drama y fresco natural de los conflictos del mundo contemporáneo como Rara, con la que acaba de obtener el Premio Horizontes Latinos de la 64ª edición del Festival de Cine de San Sebastián. Para adjudicarle el premio, el jurado destacó el “dominio cinematográfico” del filme, así como un guión “inteligente” que se detiene “en un aspecto de la realidad escasamente retratado” y “la valentía [de la cineasta chilena] al dar visibilidad a una familia no tradicional a través de la mirada de una niña”. En esta entrevista concedida a Paula Oróstica y Cédric Lépine, Pepa San Martín demuestra, sin embargo, que Rara no es solamente “el caso Atala” (que terminó, por cierto, con una condena de la Corte Interamericana de Derechos Humanos (CIDH) contra el Estado de su país por discriminación), “sino muchas otras cosas a la vez, por eso es una ficción y no un documental o una biografía”. Rara es una joya, una fabulosa ópera prima y, por supuesto, una película para ver en familia, que en su día recibió ayuda del Programa Ibermedia.

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Marcelo Martinessi, la necesaria voz del cine paraguayo

Sea con un corto o ahora con el proyecto de largometraje de ficción Las herederas, el eje imprescindible de las obras del realizador Marcelo Martinessi es Paraguay. El cineasta siente que el trabajo que realiza en su país es necesario y que no tendría razón de ser en otro lugar del mundo. Vivencias cercanas, diálogos escuchados en su infancia o la oscura política de Paraguay son motivos suficientes para que Martinessi tenga la necesidad de contar historias a través del cine. El director acaba de recibir el Premio al Mejor Cortometraje en la sección Horizontes —dedicada a las nuevas vanguardias y corrientes creativas— en la 73ª edición de la Muestra Internacional de Arte Cinematográfica de Venecia por La voz perdida, un trabajo sobre los campesinos masacrados en Curuguaty. Ahora, con su primer largometraje de ficción, Las herederas, que recibió apoyo del Programa Ibermedia en Desarrollo (2014) y Coproducción (2015), Martinessi se centra en la complejidad del universo femenino y lo hace contando la historia de una mujer de 60 años que se da cuenta de que el dinero que había heredado se está agotando. La película es una coproducción entre Paraguay, Brasil, Alemania, Uruguay y Francia, un proyecto sin duda de gran magnitud, aunque para Martinessi el desafío es que siga siendo una película pequeña, coherente con su país y con la manera en que él entiende su trabajo. Desde el Programa Ibermedia conversamos con él para que nos cuente los entresijos de su cine comprometido.

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Mabel Lozano: «Además de cineasta soy una activista contra la trata de mujeres»

Cinco años le ha tomado a Mabel Lozano la realización de su nuevo largometraje documental, Chicas Nuevas 24 Horas, el más ambicioso que la directora y activista española dedica a la trata de mujeres, un tema del que su obra cinematográfica —con películas como Voces. Contra la trata de mujeres o Escúchame— es ya referencia mundial. Con Chicas Nuevas, Lozano no sólo muestra toda la complejidad del asunto al relacionar a la mujer o adolescente explotada sexualmente como principal víctima y al cliente como primer cómplice con el tremendo negocio-delito que representa la prostitución en tanto forma moderna de esclavitud (¡32.000 millones de dólares al año!, 40 millones de los cuales van a parar a los diarios europeos a través de la publicidad de contactos), sino que amplía también las posibilidades de llegar a muchísima más gente que la que acude a las salas de cine al tratarse de un proyecto multidisciplinar que incluye una exposición itinerante de fotografías, una novela, una web, canales de YouTube y mensajes de concienciación a través de las redes sociales, además de las numerosas conferencias que Lozano suele dictar en universidades, instituto de secundaria e incluso para los cuerpos de seguridad del Estado. Si su primer largo documental, Voces, llevó a la cineasta a viajar a Rumanía y Moldavia, con Chicas Nuevas 24 Horas ha cruzado el océano para rodar en Perú, Paraguay, Argentina y Colombia, países de captación de las mujeres, adolescentes y niñas que son explotadas en Europa, en particular en España, tercer país del mundo donde los hombres pagan por sexo, después de Tailandia y Puerto Rico. El Programa Ibermedia ayudó al desarrollo de Chicas Nuevas cuando todavía era un proyecto. Tras conseguir sendas nominaciones a los Goya y a los Premios Platino del Cine Iberoamericano en la categoría de Mejor Documental, y después de que en Paraguay la película fuese declarada obra de interés cultural, compartimos esta exhaustiva entrevista que le hicimos a Mabel Lozano hace unos días.

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CAACI

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