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Mariano Cohn y Gastón Duprat. La comedia incómoda según los creadores del cine Frankenstein

Las cuatro películas de ficción que se han estrenado hasta hoy bajo la firma del dúo de directores argentinos Mariano Cohn y Gastón Duprat —El artista, El hombre de al lado, Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo y El ciudadano ilustre— no sólo son un regalo para el espectador, cinéfilo o no, sino que juntas pueden ser vistas como una clase magistral de lo que es hacer cine de autor pensando al mismo tiempo en el gran público. El ciudadano ilustre, la más reciente y celebrada de las cuatro (Goya a la mejor película iberoamericana; premio del jurado joven y al mejor actor para Oscar Martínez en el Festival de Venecia; mejor película en el Festival de Haifa, Israel; mejor guión y premio de la prensa en el Festival de La Habana), es un buen ejemplo de ello. Sobre la historia engañosamente sencilla de un Premio Nobel de Literatura que regresa después de cuarenta años al chabacano pueblito donde nació, Cohn y Duprat demuestran una vez más que están poderosamente dotados para lo que ellos mismos llaman la “comedia incómoda”, un híbrido tan original como difícil de mantener en equilibrio, dirigido a provocar tanto sonrisas como una sensación de helada inquietud, cuando no abiertamente desasosiego. He ahí tal vez la principal clave de su éxito: donde unos destacan la inteligencia de sus diálogos, su afán por hurgar sin miramientos en lo imprevisible de la condición humana o su calmosa puesta en escena, muy cercana al documental, otros, es decir, los mismos, van a sentir que simplemente ante una película como El ciudadano ilustre uno no se puede mover de su butaca ni dejar de comer pochoclos. En esta conversación, el dúo Cohn-Duprat, además de explicar por qué en realidad son una banda de cuatro, hablan de sus nuevos proyectos: Todo sobre el asado, estrenada en el reciente Festival de San Sebastián, Manual de supervivencia y 4×4, así como de su largo noviazgo con la TV, su gran laboratorio de experimentación artística.

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A 47 años de aquel desafío. Víctor Fowler recuerda a Julio García Espinosa y su manifiesto ‘Por un cine imperfecto’

El poeta y crítico cinematográfico cubano Víctor Fowler revisa el legado de Por un cine imperfecto, el manifiesto escrito en 1969 por el recordado Julio García Espinosa, uno de los fundadores del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) y premio Nacional de Cine de su país por su trayectoria en 2004, fallecido en La Habana hace unas semanas. El ensayo de Fowler, publicado originalmente en la revista Cine Cubano en 2010, reflexiona también sobre la relación entre el espectador y la película, y sobre lo “técnico y artísticamente logrado”, dos de las preocupaciones fundamentales del trabajo teórico de García Espinosa.

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JULIO GARCÍA ESPINOSA, POR UN CINE IMPERFECTO

El cine iberoamericano vuelve a estar de luto. Julio García Espinosa, reconocido cineasta y uno de los fundadores del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC), del que fuera presidente de 1983 a 1991, falleció en La Habana el pasado miércoles 13 de abril a los 89 años. García Espinosa, Julio para sus amigos, ganó en 2004 el Premio Nacional de Cine de su país por su trayectoria, que incluye clásicos como Las aventuras de Juan Quinquín, La inútil muerte de mi socio Manolo o el cortometraje El mégano, considerado el principal antecedente del nue­vo cine cubano. Como guionista, también participó en la escritura de títulos fundamentales como Lucía, de Humberto Solás, o La primera carga al machete, de Manuel Octavio Gómez. Con todo, la impronta de García Espinosa no se agota en la práctica cinematográfica. Como gestor, fue director del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana de 1982 a 1990, y de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños entre el 2004 y el 2007. Asimismo, su obra ensayística (Los cuatro medios de comunicación son tres: cine y TV, Lo nuevo en el Nuevo cine latinoamericano, El destino del cine o el manifiesto Por un cine imperfecto) es de obligada consulta en las escuelas dedicadas al séptimo arte. Por su trascendencia, y porque supuso un punto de inflexión en la historia del cine cubano y latinoamericano, en Ibermedia queremos rendirle un homenaje difundiendo justamente Por un cine imperfecto, publicado en 1970 en la revista peruana Hablemos de cine.

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ALDO GARAY: “SALGO A LA CALLE Y CUANDO ME INTERESA ALGUNA COSA VOY Y ME ACERCO”

Aldo Garay es un director atípico en la cinematografía uruguaya, con un cine demasiado narrativo como para llamarlo documental y al mismo tiempo tan áspero que supo convertir su único largometraje de ficción, La espera (que hemos vuelto a ver este año gracias a Ibermedia TV), en uno de los documentos más realistas de la peor crisis económica que haya enfrentado su país. El cine de Garay es espejo de sus obsesiones, lo cual es especialmente notorio cuando aborda el tema de la identidad: cómo toda identidad incluye necesariamente artificialidad y autoconstrucción, y qué rutas de evacuación elige cuando algo incontrolable como la vejez, la enfermedad o la locura obligan a la persona a reorganizarse, reordenarse, reconstruirse. En Uruguay se le conoce como “el director de las espaldas”, de las periferias. El que habla de gente que pasa desapercibida porque a menudo elegimos no ver.

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Gabriel Ripstein, el economista de corbata que un día quiso dirigir una película, y lo hizo

Nieto de productor e hijo de una leyenda viva del cine mexicano, Gabriel Ripstein ha debutado como director a los 43 años. “No había dirigido por cobardía y por la inevitable comparación con mi padre”, admitió recientemente. Su película, 600 millas, fue reconocida como Mejor Ópera Prima en la última Berlinale, obtuvo el Premio Mezcal a la Mejor Película Mexicana en el pasado Festival de Guadalajara y la Academia de Cine de su país la eligió para que representara a México en la carrera por los Oscar 2016. El Programa Ibermedia reproduce esta extensa y jugosa entrevista que dio a Raúl Liébana de la revista El Espectador Imaginario.

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‘El abrazo de la serpiente’, el corazón del Amazonas

Antonio Bolívar (indígena ocaina) y Nilbio Torres (indígena cubeo) son dos de los protagonistas de El abrazo de la serpiente, la película de Ciro Guerra que competirá por el Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Mientras Antonio habla fluidamente en castellano (y además habla ocaina, huitoto, un poco de bora y portugués), Nilbio se expresa con dificultad en esta lengua que no es la suya. Ambos acompañaron a Ciro Guerra a un encuentro en Bogotá para hablar de la película y contar detalles sobre la experiencia de filmar en la selva amazónica. El largometraje colombiano, que recibió apoyo del Programa Ibermedia en la Convocatoria 2012, ha logrado también varios premios en festivales internacionales como el Art Cinema Award en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, el premio al Mejor Film en el Festival Internacional de Cine de la India (IFFI) o en el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana. Nuestro portal reproduce por cortesía de Sara Malagón del diario El Espectador el detrás de cámaras de El abrazo de la serpiente en boca del director, de Antonio y de Nilbio.

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Los 327 cuadernos de Ricardo Piglia. La película de Andrés Di Tella

El origen de la escritura de Ricardo Piglia fue un diario que empezó a llevar en secreto en la adolescencia y que, 58 años después, suman 327 cuadernos idénticos, de tapa negra, considerados hasta hace poco como una leyenda literaria. El cineasta Andrés Di Tella, también argentino, acaba de estrenar en su país —simultáneamente en el cine y en TV Pública— el documental sobre los famosos diarios de Piglia por el cual recibió el apoyo del Programa Ibermedia en 2013: 327 cuadernos. La película se pudo ver recientemente en el Festival de San Sebastián y coincide con la publicación de Los diarios de Emilio Renzi, precisamente el alter ego empleado en sus diarios por el escritor cuyo nombre completo es Ricardo Emilio Piglia Renzi.
A continuación reproducimos la entrevista con Di Tella que Leandro Ceruti publicó en la revista argentina Perfil.

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‘Magallanes’, de Salvador del Solar. No somos libres

Un miembro retirado del Ejército peruano que se gana la vida como taxista reconoce un día en el rostro de una pasajera a la jovencita campesina que muchos años atrás, en plena lucha contra el terrorismo de Sendero Luminoso, él había forzado a convertirse en esclava sexual del coronel de su unidad. Él es Magallanes, el personaje que da título a la película con la que el actor peruano Salvador del Solar acaba de estrenarse como guionista y director, y que es una parábola perfecta de la dificultad de un país socialmente fracturado y racista para alcanzar la reconciliación tras una década de violencia política. Magallanes ya se ha visto en salas de Perú, Chile, Argentina, Brasil, Turquía, México y Suiza; en las próximas semanas llegará a los festivales de Toronto, San Sebastián y Chicago, y acaba de confirmarse que representará al Perú en los próximos Premios Goya. El escritor Renato Cisneros, él mismo autor de una novela que se enfrenta a la memoria del conflicto armado que devastó el Perú de los 80, cuenta en esta crónica su visión de la película y la correspondencia que, a partir de ella, tuvo con Del Solar.

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Álvaro Brechner, la aventura que salva

Álvaro Brechner dice que su principal miedo es cómo sobrevivir “sin estropearse” a la intensidad de hacer cine. Formado en Uruguay, Brechner inició su carrera trabajando en canales de televisión de Estados Unidos y rodando documentales y cortometrajes en España. Su ópera prima, Mal día para pescar (2009) convenció a la crítica y al público. Inspirada en el cuento de Juan Carlos Onetti, Jacob y el otro, Brechner planteó la travesía de dos aventureros por Santa María. Mr. Kaplan, película que recibió el apoyo del programa Ibermedia a coproducción en la convocatoria 2012, repite la fórmula y propone una nueva dupla quijotesca.

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PATRICIA VELÁSQUEZ HABLA DE ‘DOS AGUAS’, SU SORPRENDENTE ÓPERA PRIMA

Un niño del Caribe costarricense quiere entrar a una escuela de fútbol pero sus padres no pueden permitírselo. Si hay alguien en el mundo que está dispuesto a hacer todo por él es su hermano mayor, que incluso es capaz de poner en riesgo no ya sólo su libertad para que su hermano pueda acceder a lo que desea, sino la estabilidad de toda la familia, de por sí golpeada por la pobreza. Ésta es la premisa sobre la que Patricia Velásquez ha filmado Dos Aguas, su magnífico debut cinematográfico, estrenado en el pasado Festival de Panamá y ganador del premio Centroamérica Concluye en el Festival Ícaro. Estefanía Magro la entrevistó para el Programa Ibermedia y habló con ella no sólo de Dos Aguas, sino de sus varios proyectos futuros y del cine centroamericano en general.

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REFLEXIONES DE UN DIRECTOR: ALEJO FLAH, DE ‘SEXO FÁCIL, PELÍCULAS TRISTES’

Alejo Flah era conocido hasta ayer como el guionista de la magnífica serie de TV Vientos de agua dirigida por Juan José Campanella y de otras películas como el documental Rerum Novarum o el largometraje Séptimo, así como director de los cortometrajes Taxi y Vivir de negro. Desde hoy, sin embargo, Flah tendrá que ser citado como el autor y director de Sexo fácil, películas tristes, una comedia romántica ambientada en Buenos Aires, Madrid y París, y de la que él mismo nos habla en este texto.

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