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“QUERIA QUE O ESPECTADOR VISSE O FILME COMO SE OLHASSE ATRAVÉS DOS OLHOS DE FRIDA KAHLO”. ISHTAR YASIN FALA DE ‘DOS FRIDAS’

Nos próximos dias, a co-produção costa-riquenho-mexicana Dos Fridas realizada por Ishtar Yasin será apresentada em dois festivais internacionais que irão aumentar exponencialmente o sucesso que o filme já está a ter sobre a relação da artista mexicana Frida Kahlo com a sua enfermeira costa-riquenha Judith Ferreto. Trata-se do 7.º Festival Internacional de Cinema da Costa Rica onde Dos Fridas será projetado na terça-feira 3 e na sexta-feira 5 de abril (Cine Magaly e Sala Garbo, respetivamente) e muito particularmente o 35.º Chicago Latino Film Festival onde o novo filme da realizadora, argumentista, produtora e atriz costa-riquenha Ishtar Yasin será projetado na segunda-feira dia 8 e na quarta-feira dia 10 de abril (ambas as datas no AMC River East 21 Theatre). Dos Fridas_posterNo CRFIC da Costa Rica Dos Fridas terá de certo modo a sua “estreia local” – com o entusiasmo que isto implica –, ao passo que no CLFF de Chicago a expectativa será máxima tendo em conta que foi na comunidade latino-americana estabelecida nos Estados Unidos que nasceu o “mito” Frida Kahlo e se alargou ao mundo inteiro até se tornar na artista latino-americana mais reconhecida da história. Artistas, feministas, artesãs e mulheres imigrantes em geral terão a oportunidade de reconhecer momentos na vida da pintora mexicana que hoje são essenciais para se compreender a sua arte como um ícone da cultura mestiça de raízes indígenas. Estas apresentações serão a lógica continuação de um percurso internacional de sucesso que começou nas Noites Negras de Tallinn, em Estónia, continuou no Festival Internacional de Cinema de Mulheres de Aswan, Egito, e irá continuar em Itália e no Líbano, entre outros países. Um início fulgurante que lembra o de El camino, o mais premiado e aplaudido filme de Ishtar Yasin até este momento. Abordámos todos estes assuntos nesta entrevista. Ah, é verdade: Dos Fridas recebeu o apoio à Co-produção na Convocatória 2015. Ler mais…

“Revolucionarse todos los días de la vida”. El homenaje de Orlando Senna a Rigoberto López

Mientras trabajaba en la postproducción de la que será su última (y póstuma) película, El Mayor, falleció el cubano Rigoberto López, “cineasta cabal”, como lo describió Granma al rendirle homenaje. López es el realizador de obras tan significativas de la cinematografía cubana como los documentales El viaje más largo (1987), Yo soy, del son a la salsa (1996), Puerto Príncipe mío (2000) y los largometrajes de ficción Roble de olor (2003), Vuelos prohibidos (2015) o el ya mencionado El Mayor, que recrea la vida del héroe de la independencia de su país Ignacio Agramonte. Vuelos prohibidos_Rigoberto López_cartelLicenciado en Ciencias Políticas por la Universidad de La Habana y guionista y productor además de director, se le recuerda también como el gran impulsor de la Muestra Itinerante de Cine del Caribe que ha dado visibilidad al arte de la región a la que Cuba pertenece. El músico José Maria Vitier, autor de una treintena larga de bandas sonoras, se despidió de él con estas palabras: “Hasta el último momento estuvo consagrado a terminar la película que será ahora su obra póstuma, El Mayor, cuya filmación y primera edición logró ver terminada. Junto a las sinceras condolencias a sus familiares, valga nuestro compromiso de contribuir, en la parte que nos toca, a concluir su película a la altura que él la soñó”. A las palabras de Vitier queremos sumar desde Ibermedia las que escribió el escritor y cineasta brasileño Orlando Senna en su blog Refletor con motivo de la exhibición de Vuelos prohibidos (“Voos proibidos”, en portugués) en la 8ª edición del Encuentro de Cine Negro Brasil, África y Caribe. Ler mais…

“Una película se escribe desde lo humano, desde el personaje; la política es el contexto”. Marcela Said habla de ‘Los perros’

A menudo el premio a la Mejor Película Iberoamericana de los Goya recae en la favorita que comparten el público y la crítica. Este año no sólo es que las favoritas sean dos (Roma, del mexicano Alfonso Cuarón, y El ángel, del argentino Luis Ortega) sino que junto a ellas compiten otras dos grandísimas películas con las posibilidades intactas de ganar: La noche de 12 años, del uruguayo Álvaro Brechner, y la extraordinaria Los perros, de la chilena Marcela Said. Estas dos últimas, además, son “las de Ibermedia”, pues ambas recibieron ayudas del Programa para su realización. La noche… recibió dos: ayuda al Desarrollo en la Convocatoria 2014 y a la Coproducción en 2016, y Los perros ayuda a la Coproducción también en 2016. Los perros_cartel 1Los perros cuenta la historia de Mariana (Antonia Zegers), una mujer de clase alta chilena a la que no toman en serio los hombres que la rodean. Ni siquiera su padre, uno de los empresarios más renombrados del país, ni su marido, un argentino exiliado en Chile con familiares víctimas de la dictadura argentina. Esta exploración del machismo que se da en la alta burguesía chilena (y latinoamericana) descansa sobre otra historia política, la de los secuestros y asesinatos de la dictadura de Pinochet, encarnada en el tercer hombre que rodea a Mariana: Juan (Alfredo Castro), su profesor de equitación, un ex coronel que está siendo juzgado por sus crímenes contra la humanidad. ¿Quiénes son “los perros” del título? He ahí la pregunta que Marcela Said responde brillantemente a través de esta película que se estrenó en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y desde entonces ha ganado una docena de premios internacionales como el Horizontes Latinos en San Sebastián o el Premio del Jurado en el Festival de Biarritz. En Ibermedia conversamos largamente con ella. Ler mais…

“Escribir un guión no es una consecución de cosas que tienen lógica, sino de cosas que quieres ver”. Conversamos con Gustavo Rondón Córdova, director de ‘La familia’

Con 16 premios internacionales, otros seis en su país y tras un recorrido por más de 50 festivales en el mundo, hace unos días se estrenó en España La familia, la extraordinaria ópera prima del venezolano Gustavo Rondón Córdova. La película, que además fue la elegida en Venezuela para representar al país en los Oscar 2019, cuenta la huida que deben emprender Pedro, un niño-preadolescente de doce años, y Andrés, su padre, después de que el chico hiere gravemente a otro por defenderse en una pelea callejera. Hasta ese momento padre e hijo han vivido solos en un barrio pobre de Caracas, rodeados de violencia y sin tiempo para verse. La familia_aficheDe la mamá del muchacho no se sabe nada, y ése es el primer gran acierto de la película: en un continente donde la figura familiar predominante es la madre, donde el padre suele ser el personaje ausente que no pocas veces ha huido abandonando a sus hijos, La familia explora el modelo opuesto. Andrés es un padre lleno de amor pero sin tiempo para mostrarlo a través del afecto: tiene dos trabajos, uno de ellos nocturno, y con frecuencia no vuelve a dormir a casa. Su obligada huida para proteger a Pedro pondrá a prueba una relación basada hasta ese momento en las carencias, el silencio y unos pocos retazos afectivos. ¿Es posible construir una familia a partir de esos retazos? Con las ideas claras de quien no dudó en irse a estudiar cine a la República Checa, Rondón responde a ésta y otras preguntas en la entrevista que le hicimos hace unos días a su paso por España. Ler mais…

Esculpiendo ‘Kokue’

El 16 de noviembre terminó en Madrid el 16º Curso de Desarrollo de Proyectos Cinematográficos Iberoamericanos que dirige Gerardo Herrero y coordina Mariana Barassi para el Programa Ibermedia, la Fundación Carolina, la AECID, la Fundación SGAE y la Entidad de Gestión de Derechos Audiovisuales (EGEDA). Los autores de los veinte proyectos seleccionados dedicaron seis semanas a la escritura de sus guiones a partir de un riguroso trabajo de análisis y desarrollo sobre la escritura cinematográfica bajo la asesoría de reconocidos directores, guionistas, productores y consultores de guiones (story editors) como Montxo Armendáriz, Daniela Fejerman, Alejo Flah, Jaime Rosales, Ana Sanz-Magallón, Fernando Castets, Michel Gaztambide, Susana Herreras o Félix Viscarret. Uno de ellos fue el paraguayo Miguel Ángel Agüero, que se presentó con la película Kokue, palabra que en su lengua materna, el guaraní, significa chacra o parcela donde se cultiva. Agüero tuvo la suerte de tener como tutores a Alejo Flah y a Jaime Rosales, tres semanas con cada uno. Aquí lo cuenta. Una crónica honesta, fresca e inspiradora para quien quiera hacer cine en Iberoamérica. Ler mais…

“Los Andes no es sólo ese indiecito que está cruzando la puna tocando un lamento con su quena”. Conversamos con Marcos Loayza, el director boliviano de ‘Averno’

Hay un lugar donde los vivos y los muertos se encuentran, y donde ciertos demonios ayudan a cruzar de un mundo a otro, aunque no sea fácil demostrarles que uno se merece esa ayuda. Es un lugar del que no hay nada escrito pero que existe en el imaginario de la gente de los Andes. A ese lugar debe llegar Tupah para buscar a su tío. He aquí el punto de partida de Averno, la nueva película del reconocido director boliviano Marcos Loayza que ya se estrenó en Uruguay, Bolivia y Argentina, se alzó con dos importantes premios en el Festival de Gramado, Brasil, y representará a Bolivia para competir en los Premios Goya por el galardón a la Mejor Película Iberoamericana. Como dice Loayza en esta entrevista que le hicimos hace unos días, Averno es un “viaje del héroe andino” por los mundos e inframundos que cohabitan las ciudades sudamericanas desde una cosmovisión que no es sólo occidental, y en ese sentido es también una búsqueda de la esencia del continente y una indagación acerca de su identidad. Averno_Marcos Loayza_afichePero, ¡atención!, Averno no insiste en los tópicos que se suelen vender de los Andes para el fácil consumo de Occidente. No hay “solamente indiecitos cruzando la puna tocando lamentos con su quena”. A mitad de camino entre una película de aventuras y una comedia costumbrista, realista pero al mismo tiempo fantasiosa, Averno es sobre todo una relectura “desde los Andes” de los mitos que nos configuran como sociedad. El héroe andino, recuerda Loayza, no desafía ni se enfrenta a los dioses, no tiene la rebeldía del héroe clásico, sino que sabe adaptarse y dejarse llevar. Quizá ésta sea la mejor actitud para ver y disfrutar Averno: dejarse llevar. Tiene tantas capas y lecturas, de la más cinematográfica-contemporánea a la más compleja-literaria-antropológica, que merece la pena extraviarse por sus múltiples relatos. En todos los casos, la aventura está asegurada.
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Cuando los victimarios de una dictadura tienen mucho que decir. Conversamos con Lissette Orozco, la directora chilena del impresionante documental ‘El pacto de Adriana’

Hay un nuevo tipo de documental en América Latina. Está narrado en primera persona, apunta a los victimarios de las dictaduras y conflictos armados que azotaron el continente entre las décadas del sesenta y noventa y, más que la denuncia reivindicativa, busca encender una nueva luz sobre la verdad de los hechos. Una verdad, todo sea dicho, que es negada o silenciada sistemáticamente por esos victimarios, bien para evadir la justicia y protegerse unos a otros, o bien porque son tan escalofriantes los actos de secuestro, tortura y asesinato en los que participaron que reconocerlos supondría admitir que alguna vez fueron más monstruos que humanos. Es en estas coordenadas que toca situar El pacto de Adriana, el extraordinario debut de la joven guionista y directora chilena Lissette Orozco, un documental que fue el gran triunfador de la Berlinale 2017 y sigue sumando premios y aplausos en festivales internacionales tan renombrados como los de Chicago, Moscú o Taiwan. El pacto de Adriana_aficheOcurre que Adriana Rivas, la protagonista de la película, es su tía, la persona a la que más admiraba Orozco cuando era niña: su  “ídola”, como todavía la llama. Y ocurre también que esta tía, fuerte, independiente y de mucho mundo como era, trabajaba para la temible DINA, la Dirección de Inteligencia Nacional o policía secreta del dictador chileno Augusto Pinochet. En El pacto… nunca queda claro hasta qué punto la tía participó de los espantosos actos que se imputan al comando de la DINA al que pertenecía. Ése es el gran mérito de Orozco. El lograr, pese a todos los consejos en contra que tuvo que oír a lo largo de la década en que estuvo rodando su película, que el espectador comparta primero la fascinación por su tía, luego sus dudas y finalmente que cada quien haga su propio juicio. Eso no es nada fácil, sobre todo tratándose de un documental que con su mirada particular e íntima no deja de recordarnos a todos lo brutal y asesina que fue la dictadura pinochetista. La directora estuvo hace poco en España invitada por la Casa de América para presentar su película y dar una charla sobre documentales biográficos, y tuvimos el placer de conversar largamente con ella.
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“Lo que tenía en mente era hacer un retrato de un retratista, narrar a un narrador”. Abner Benaim habla de ‘Yo no me llamo Rubén Blades’

Rubén Blades no sólo es el compositor y cantante de auténticas obras maestras de la música contemporánea como Bohemio y poeta (álbum grabado con La Fania All-Stars), Siembra, Maestra vida, Canciones del Solar de los Aburridos (con Willie Colón), El que la hace la paga, Buscando América o Antecedente (en solitario), sino también un icono de la cultura popular y un activista en favor de los derechos humanos y de la independencia de los pueblos latinoamericanos en su relación con Estados Unidos. De ahí que al lado de auténticas crónicas urbanas narradas en canciones como “Juan Pachanga”, “Pedro Navaja”, “Ligia Elena”, “Decisiones”, “El cantante” o “Juana Mayo”, muchos latinoamericanos también puedan cantar de memoria composiciones más políticas como “Pablo Pueblo”, “Plástico”, “Tiburón” o “El padre Antonio y el monaguillo Andrés”, por mencionar sólo las más conocidas. Yo no me llamo Rubén Blades_Abner Benaim_aficheAbner Benaim, el director panameño ampliamente conocido en Ibermedia por películas como Chance, Empleadas y patrones o Invasión, ha perfilado a su compatriota en el extraordinario documental Yo no me llamo Rubén Blades. Aquí, Benaim muestra también el lado “más serio” de Blades: abogado, político y ex candidato a la presidencia de su país en las elecciones de 1994, es decir, cinco años después de que Estados Unidos invadiera Panamá con el propósito —según Bush padre— de capturar al entonces presidente Manuel Antonio Noriega, acusado previamente de narcotraficante. He ahí la grandeza de Benaim, y la magia del cine: retratar a una persona multifacética como si fueran muchas personas a la vez, y de ese modo mostrar la cultura, la herencia musical y la historia política no sólo de un país, sino de un continente. Yo no me llamo Rubén Blades, que recibió la ayuda de Ibermedia al Desarrollo en 2015 y a la Coproducción en 2016, ya ha recorrido más de veinticinco festivales internacionales, se ha estrenado comercialmente en buena parte de América Latina y, ¡noticia de último minuto!, ha sido elegida para representar a Panamá en los próximos premios Oscar y Goya, y será emitida en Estados Unidos a través de HBO. “Es la primera vez que una película de Panamá se estrena internacionalmente así, casi en simultáneo, y es una de las primeras veces que un documental latinoamericano lo hace en Latinoamérica”, dijo Benaim recientemente. Múltiples motivos, entonces, para leer esta entrevista y correr al cine a ver la película. Ler mais…

“CUBA E A SUA ESCOLA DE CINEMA MUDARAM A MINHA VIDA”. CONVERSAMOS COM ALICE DE ANDRADE, A REALIZADORA BRASILEIRA DE ‘VINTE ANOS’

Estreou há alguns dias no Brasil inteiro o extraordinário documentário Vinte anos com que Alice de Andrade entrança a vida quotidiana de três famílias cubanas filmadas ao longo de duas décadas. O filme reflete também o profundo amor que a realizadora brasileira sente por Cuba, um país onde o tempo passa “de forma diferente de outros sítios” e onde ela teve a sorte de se formar como cineasta – e como pessoa – na sua Escola Internacional de Cinema e TV de San Antonio de los Baños, uma experiência que, segundo diz nesta entrevista, mudou a sua vida para sempre. Acontece que em 1992 de Andrade realizou outro documentário em Cuba, Lua de mel, que poderia ser considerado o grande antecedente de Vinte anos: foi a sua primeira história coral sobre o amor e a vida a dois na caribenha sociedade socialista, oitenta pessoas que concorreram ao casting e que ela contactou de novo vinte anos depois porque “ao conhecer essas pessoas (que cada vez que estive em casa delas me acolheram, cuidaram de mim, cozinharam para mim, me abraçaram) soube que um dia voltaria a vê-las”. Vinte anos é uma co-produção da Filmes do Serro do Brasil, da Minerva Entertainment da Costa Rica e da própria EICTV de Cuba que recebeu o apoio do Ibermedia na Convocatória 2013. O filme foi premiado no Festival de Brasília, foi selecionado para a Mostra de São Paulo e os festivais de Miami, Havana e Guadalajara, e hoje, após a sua auspiciosa estreia no Brasil, aguarda o momento de ser exibido no mundo inteiro. Entretanto, Alice de Andrade está a finalizar os detalhes de uma série de televisão nascida dos dois documentários anteriores: por enquanto intitula-se Oitenta destinos e são treze episódios que contam “as outras histórias”, as que não entraram em Lua de mel nem em Vinte anos. Um trabalho em conjunto monumental que de Andrade só pode explicar como “uma missão”: devolver com o seu trabalho cinematográfico o carinho, a confiança e a generosidade que recebeu sempre de Cuba e dos cubanos.

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“Un cine latinoamericano que tenga verdad y sea amado por el público”. Nelson Pereira dos Santos habló con José Agustín Mahieu

En Brasil, todo cineasta y aficionado al cine está de acuerdo en que Nelson Pereira dos Santos fue, además de un gran referente, un padre para las nuevas generaciones. Carlos Cacá Diegues decía de él: “Nunca conocí a persona más sabia, capaz de enseñar de una forma que no te das cuenta de que estás aprendiendo. Nelson fue quien nos mostró que era posible hacer un cine diferente en Brasil”. Reconocido como uno de los padres del Cinema Novo brasileño que a finales de los años 50 renovó el cine latinoamericano y mundial bajo el lema “Una cámara en la mano y una idea en la cabeza”, Pereira dos Santos falleció el 21 de abril de 2018 a los 89 años. Suyos son clásicos como Rio, 40 graus; Vidas secas; Como era gostoso o meu francês (Qué sabroso era mi amigo francés); el documental A música segundo Tom Jobim Brasilia 18%. En 1997 le dedicaron sendos homenajes en los festivales de Venecia y Huesca, y una retrospectiva de su obra programada por la Filmoteca Española y Casa de América. Con tal motivo, el ensayista y crítico argentino José Agustín Mahieu lo entrevistó para la revisa Cuadernos Hispanoamericanos, que la publicó en el número 569 de noviembre de 1997. Gracias a los directores actuales de Cuadernos, tenemos el gusto de presentarla para los lectores de nuestra web. Ler mais…

Una ‘sinfonía tropikal’ en el cine del venezolano Diego Rísquez

“A Diego Rísquez es legítimo aplicarle, sin exageraciones, el lugar común aquel de que «con él se rompió el molde». No solo por su obra, única, diferente, excepcional, sino por su modo de vida. Un modo de vida marcado siempre por la búsqueda de la belleza y por su disposición gregaria, su generosa vocación de reunir a los diferentes en un mismo acto de comunión”. Con estas palabras se despedía del cineasta su compatriota el sociólogo y experto en cultura y comunicación Tulio Hernández en las páginas de El Nacional de Venezuela. Rísquez murió el 13 de enero de este año dejando una obra de catorce extraordinarias películas, entre las que se cuentan clásicos del cine venezolano y latinoamericano como su “trilogía americana” compuesta por Bolívar, sinfonía tropikal (1979),  Orinoko, nuevo mundo (1984) y Amérika, terra incógnita (1988), las tres exhibidas en Cannes. Su último largometraje, El malquerido, estrenado en 2015, está dedicado al cantante de bolero e ídolo popular Felipe Pirela. Ler mais…

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