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Cuando los victimarios de una dictadura tienen mucho que decir. Conversamos con Lissette Orozco, la directora chilena del impresionante documental ‘El pacto de Adriana’

Hay un nuevo tipo de documental en América Latina. Está narrado en primera persona, apunta a los victimarios de las dictaduras y conflictos armados que azotaron el continente entre las décadas del sesenta y noventa y, más que la denuncia reivindicativa, busca encender una nueva luz sobre la verdad de los hechos. Una verdad, todo sea dicho, que es negada o silenciada sistemáticamente por esos victimarios, bien para evadir la justicia y protegerse unos a otros, o bien porque son tan escalofriantes los actos de secuestro, tortura y asesinato en los que participaron que reconocerlos supondría admitir que alguna vez fueron más monstruos que humanos. Es en estas coordenadas que toca situar El pacto de Adriana, el extraordinario debut de la joven guionista y directora chilena Lissette Orozco, un documental que fue el gran triunfador de la Berlinale 2017 y sigue sumando premios y aplausos en festivales internacionales tan renombrados como los de Chicago, Moscú o Taiwan. El pacto de Adriana_aficheOcurre que Adriana Rivas, la protagonista de la película, es su tía, la persona a la que más admiraba Orozco cuando era niña: su  “ídola”, como todavía la llama. Y ocurre también que esta tía, fuerte, independiente y de mucho mundo como era, trabajaba para la temible DINA, la Dirección de Inteligencia Nacional o policía secreta del dictador chileno Augusto Pinochet. En El pacto… nunca queda claro hasta qué punto la tía participó de los espantosos actos que se imputan al comando de la DINA al que pertenecía. Ése es el gran mérito de Orozco. El lograr, pese a todos los consejos en contra que tuvo que oír a lo largo de la década en que estuvo rodando su película, que el espectador comparta primero la fascinación por su tía, luego sus dudas y finalmente que cada quien haga su propio juicio. Eso no es nada fácil, sobre todo tratándose de un documental que con su mirada particular e íntima no deja de recordarnos a todos lo brutal y asesina que fue la dictadura pinochetista. La directora estuvo hace poco en España invitada por la Casa de América para presentar su película y dar una charla sobre documentales biográficos, y tuvimos el placer de conversar largamente con ella.
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“Lo que tenía en mente era hacer un retrato de un retratista, narrar a un narrador”. Abner Benaim habla de ‘Yo no me llamo Rubén Blades’

Rubén Blades no sólo es el compositor y cantante de auténticas obras maestras de la música contemporánea como Bohemio y poeta (álbum grabado con La Fania All-Stars), Siembra, Maestra vida, Canciones del Solar de los Aburridos (con Willie Colón), El que la hace la paga, Buscando América o Antecedente (en solitario), sino también un icono de la cultura popular y un activista en favor de los derechos humanos y de la independencia de los pueblos latinoamericanos en su relación con Estados Unidos. De ahí que al lado de auténticas crónicas urbanas narradas en canciones como “Juan Pachanga”, “Pedro Navaja”, “Ligia Elena”, “Decisiones”, “El cantante” o “Juana Mayo”, muchos latinoamericanos también puedan cantar de memoria composiciones más políticas como “Pablo Pueblo”, “Plástico”, “Tiburón” o “El padre Antonio y el monaguillo Andrés”, por mencionar sólo las más conocidas. Yo no me llamo Rubén Blades_Abner Benaim_aficheAbner Benaim, el director panameño ampliamente conocido en Ibermedia por películas como Chance, Empleadas y patrones o Invasión, ha perfilado a su compatriota en el extraordinario documental Yo no me llamo Rubén Blades. Aquí, Benaim muestra también el lado “más serio” de Blades: abogado, político y ex candidato a la presidencia de su país en las elecciones de 1994, es decir, cinco años después de que Estados Unidos invadiera Panamá con el propósito —según Bush padre— de capturar al entonces presidente Manuel Antonio Noriega, acusado previamente de narcotraficante. He ahí la grandeza de Benaim, y la magia del cine: retratar a una persona multifacética como si fueran muchas personas a la vez, y de ese modo mostrar la cultura, la herencia musical y la historia política no sólo de un país, sino de un continente. Yo no me llamo Rubén Blades, que recibió la ayuda de Ibermedia al Desarrollo en 2015 y a la Coproducción en 2016, ya ha recorrido más de veinticinco festivales internacionales, se ha estrenado comercialmente en buena parte de América Latina y, ¡noticia de último minuto!, ha sido elegida para representar a Panamá en los próximos premios Oscar y Goya, y será emitida en Estados Unidos a través de HBO. “Es la primera vez que una película de Panamá se estrena internacionalmente así, casi en simultáneo, y es una de las primeras veces que un documental latinoamericano lo hace en Latinoamérica”, dijo Benaim recientemente. Múltiples motivos, entonces, para leer esta entrevista y correr al cine a ver la película. Ler mais…

“CUBA E A SUA ESCOLA DE CINEMA MUDARAM A MINHA VIDA”. CONVERSAMOS COM ALICE DE ANDRADE, A REALIZADORA BRASILEIRA DE ‘VINTE ANOS’

Estreou há alguns dias no Brasil inteiro o extraordinário documentário Vinte anos com que Alice de Andrade entrança a vida quotidiana de três famílias cubanas filmadas ao longo de duas décadas. O filme reflete também o profundo amor que a realizadora brasileira sente por Cuba, um país onde o tempo passa “de forma diferente de outros sítios” e onde ela teve a sorte de se formar como cineasta – e como pessoa – na sua Escola Internacional de Cinema e TV de San Antonio de los Baños, uma experiência que, segundo diz nesta entrevista, mudou a sua vida para sempre. Acontece que em 1992 de Andrade realizou outro documentário em Cuba, Lua de mel, que poderia ser considerado o grande antecedente de Vinte anos: foi a sua primeira história coral sobre o amor e a vida a dois na caribenha sociedade socialista, oitenta pessoas que concorreram ao casting e que ela contactou de novo vinte anos depois porque “ao conhecer essas pessoas (que cada vez que estive em casa delas me acolheram, cuidaram de mim, cozinharam para mim, me abraçaram) soube que um dia voltaria a vê-las”. Vinte anos é uma co-produção da Filmes do Serro do Brasil, da Minerva Entertainment da Costa Rica e da própria EICTV de Cuba que recebeu o apoio do Ibermedia na Convocatória 2013. O filme foi premiado no Festival de Brasília, foi selecionado para a Mostra de São Paulo e os festivais de Miami, Havana e Guadalajara, e hoje, após a sua auspiciosa estreia no Brasil, aguarda o momento de ser exibido no mundo inteiro. Entretanto, Alice de Andrade está a finalizar os detalhes de uma série de televisão nascida dos dois documentários anteriores: por enquanto intitula-se Oitenta destinos e são treze episódios que contam “as outras histórias”, as que não entraram em Lua de mel nem em Vinte anos. Um trabalho em conjunto monumental que de Andrade só pode explicar como “uma missão”: devolver com o seu trabalho cinematográfico o carinho, a confiança e a generosidade que recebeu sempre de Cuba e dos cubanos.

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“Un cine latinoamericano que tenga verdad y sea amado por el público”. Nelson Pereira dos Santos habló con José Agustín Mahieu

En Brasil, todo cineasta y aficionado al cine está de acuerdo en que Nelson Pereira dos Santos fue, además de un gran referente, un padre para las nuevas generaciones. Carlos Cacá Diegues decía de él: “Nunca conocí a persona más sabia, capaz de enseñar de una forma que no te das cuenta de que estás aprendiendo. Nelson fue quien nos mostró que era posible hacer un cine diferente en Brasil”. Reconocido como uno de los padres del Cinema Novo brasileño que a finales de los años 50 renovó el cine latinoamericano y mundial bajo el lema “Una cámara en la mano y una idea en la cabeza”, Pereira dos Santos falleció el 21 de abril de 2018 a los 89 años. Suyos son clásicos como Rio, 40 graus; Vidas secas; Como era gostoso o meu francês (Qué sabroso era mi amigo francés); el documental A música segundo Tom Jobim Brasilia 18%. En 1997 le dedicaron sendos homenajes en los festivales de Venecia y Huesca, y una retrospectiva de su obra programada por la Filmoteca Española y Casa de América. Con tal motivo, el ensayista y crítico argentino José Agustín Mahieu lo entrevistó para la revisa Cuadernos Hispanoamericanos, que la publicó en el número 569 de noviembre de 1997. Gracias a los directores actuales de Cuadernos, tenemos el gusto de presentarla para los lectores de nuestra web. Ler mais…

Una ‘sinfonía tropikal’ en el cine del venezolano Diego Rísquez

“A Diego Rísquez es legítimo aplicarle, sin exageraciones, el lugar común aquel de que «con él se rompió el molde». No solo por su obra, única, diferente, excepcional, sino por su modo de vida. Un modo de vida marcado siempre por la búsqueda de la belleza y por su disposición gregaria, su generosa vocación de reunir a los diferentes en un mismo acto de comunión”. Con estas palabras se despedía del cineasta su compatriota el sociólogo y experto en cultura y comunicación Tulio Hernández en las páginas de El Nacional de Venezuela. Rísquez murió el 13 de enero de este año dejando una obra de catorce extraordinarias películas, entre las que se cuentan clásicos del cine venezolano y latinoamericano como su “trilogía americana” compuesta por Bolívar, sinfonía tropikal (1979),  Orinoko, nuevo mundo (1984) y Amérika, terra incógnita (1988), las tres exhibidas en Cannes. Su último largometraje, El malquerido, estrenado en 2015, está dedicado al cantante de bolero e ídolo popular Felipe Pirela. Ler mais…

“Medellín es una, en su belleza y en su tragedia. ¡Somos lo mismo!”. Laura Mora, la cineasta colombiana de ‘Matar a Jesús’

Matar a Jesús, el primer largometraje de Laura Mora, cuenta la relación que se va tejiendo entre una estudiante de Arte de clase media y el joven sicario que mató a su padre. La historia transcurre en Medellín en el año 2002, cuando en la vida real la ciudad fue asaltada por fuerzas paramilitares alentadas desde el Estado, en una mutación de la violencia que había pasado antes por la extravagancia psicópata del Cartel de Pablo Escobar y nunca había logrado quitarse de encima a la guerrilla de las FARC. También en la vida real ese año asesinaron al padre de la directora, un abogado y profesor universitario al que le dispararon seis veces cuando iba a almorzar con un amigo. A partir de ese dolor, la cineasta colombiana construye en Matar a Jesús una extraordinaria película de ficción sobre la opción de no contestar a la violencia con más violencia, sobre los sistemas de justicia en Estados fallidos y lo que valen o no valen las personas allí donde el último fin es ganar dinero. La ciudad de Medellín no es el escenario donde todo esto sucede. Es la tercera protagonista de este filme que ha ganado ya unos quince premios en festivales internacionales, incluyendo el de Mejor Película en el Festival de Guadalajara. Para la realización de Matar a Jesús, Laura Mora recibió la ayuda de Ibermedia a la Coproducción en la Convocatoria 2015. Tres años después, con motivo de su estreno en España, conversamos con ella.
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“De la periferia de donde vengo, ‘Cocote’ es la idea de un cine mulato, un cine-conversación”. Nelson Carlo de los Santos Arias habla de su brillante e inclasificable película

A mediados del año pasado, Cocote, la película del dominicano Nelson Carlo de los Santos Arias, se alzó con el Leopardo de Oro de la sección Signs of Life del Festival de Locarno. En su fallo, el jurado del histórico festival suizo celebró que el largometraje se llevara el premio “por su capacidad de reinventar creativamente las tradiciones del cine antropológico”. Hace unas semanas, Cocote volvió a ser premiada como Mejor Película de Ficción en el Festival de Cartagena de Indias (Ficci) de Colombia. La película narra la historia de un jardinero evangélico que trabaja en una casa adinerada de Santo Domingo. Cuando el jardinero se entera de que su padre ha muerto, interrumpe su trabajo para asistir al entierro. Ahí sabrá que su padre ha sido asesinado y se verá obligado a participar en cultos religiosos contrarios a su fe. Pero no sólo eso: su familia también espera que haga algo con el asesino. Sobre este argumento que tiene “más de western que de policial” (el héroe del western siempre tiene que transgredir la justicia para hacer justicia, según la famosa sentencia de André Bazin), De los Santos Arias presenta un filme extraordinario por su aguda exploración de la espiritualidad afroantillana, el cambio del color al blanco y negro, los distintos tamaños de la proyección en pantalla, un tratamiento sonoro insólito y un manejo de la fotografía que deslumbra por su perfección. El crítico y programador de festivales argentino Roger Koza lo entrevistó para la Revista Ñ del diario argentino Clarín y también para su gran publicación cinéfila Con los Ojos Abiertos. Ler mais…

“Siempre he dicho que he dirigido comedias porque tengo un pésimo sentido del humor”. Conversamos con Gerardo Chijona, director de ‘Los buenos demonios’

Escrita por Daniel Díaz Torres y Alejandro Hernández sobre una novela de éste último, Los buenos demonios es la nueva película del director cubano Gerardo Chijona que pronto llegará a España vía el Festival de Cine de Málaga. La octava cinta de ficción de Chijona cuenta la historia de un muchacho con cara de niño bueno que supuestamente se gana la vida haciendo taxi en La Habana, aunque el espectador sabrá desde muy pronto que en realidad se trata de un asesino múltiple que asalta a los turistas para ayudar a sus vecinos y amigos con el dinero robado. Pero como advierte Chijona, que nadie se equivoque: no estamos ante un policial, ni una película de suspense ni ante el retrato de un sociópata. Si algo es Los buenos demonios es un acercamiento desde la moral a tres generaciones de cubanos —incluidos los más jóvenes, “hijos del período especial”, que crecieron con la crisis económica de principios de los noventa del siglo pasado— pero no desde el drama con pretensiones de trascendencia, sino como casi siempre en el cine de Chijona —y de Díaz Torres, el primer director que iba a tener el filme, fallecido antes de iniciar el rodaje—, persiguiendo una mirada personal que no excluye cierta dosis de comedia. Hace unos días tuvimos ocasión de ver la película por cortesía de Wanda Visión, la coproductora española, y de conversar con el maestro cubano, no por gusto formador de varias generaciones de jóvenes cineastas latinoamericanos desde sus clases de dirección en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños. Como suele ocurrir, con Chijona hablamos de varias cosas, no sólo de Los buenos demonios, y habríamos seguido hablando más si no fuese porque la cinta se acaba de estrenar en Cuba y el director no ha parado con la campaña de promoción (“el público se lleva la película para la casa, que es exactamente lo que todos queríamos”).

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Marcelo Martinessi, director de ‘Las herederas’, dos Osos de Plata en la Berlinale 2018. La necesaria voz del cine paraguayo

Sea con un cortometraje o con Las herederas, su ópera prima ganadora de dos Osos de Plata en el Festival de Cine de Berlín 2018, el eje imprescindible de las películas de Martinessi es Paraguay. El director cree que el trabajo que realiza es necesario en su país y que no tendría razón de ser en otro lugar del mundo. Conversaciones oídas en su infancia, vivencias cercanas o la oscura política de Paraguay son suficientes para que sienta la necesidad de contar historias a través del cine. El director recibió el Premio al Mejor Cortometraje en la sección Horizontes de la 73ª Muestra Internacional de Arte Cinematográfica de Venecia por La voz perdida, un trabajo sobre los campesinos masacrados en Curuguaty. Ahora, con Las herederas, que recibió apoyo del Programa Ibermedia en Desarrollo (2014) y Coproducción (2015), se centra en la complejidad del universo femenino y lo hace a través de la historia de una mujer mayor que se da cuenta de que el dinero que había heredado se está agotando. La cinta es una coproducción de Paraguay, Brasil, Alemania, Uruguay y Francia, un proyecto de gran magnitud, aunque para Martinessi el desafío es que siga siendo una película pequeña, coherente con su país y con la manera en que entiende su trabajo. En Ibermedia conversamos con él para que nos descubra las convicciones que hay detrás de su cine comprometido.

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Fernando Birri, constructor de utopías. Una lúcida y visionaria conversación con la periodista brasileña Mariluce Moura

“A palavra cinema já me soa conservadora. A imagem audiovisual tem outras formas possíveis além do cinema. Estou falando de uma nova maquinaria de imagens, de novas fantasmagorias, novas e insuspeitadas sombras eletrônicas, ou melhor, luzes eletrônicas que por enquanto apenas entrevemos.” No palco da imensa sala 1 do Memorial da América Latina, bem iluminado só em uma pequena área destinada ao personagem em cena, Fernando Birri, 81 anos, mirava assim o futuro, em sua aula magna no final da manhã de 14 de julho do 2006, logo após ser apresentado à platéia pelo presidente do Memorial, Fernando Leça.

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“¿Hay personas más legitimas que otras? ¿Amores legítimos e ilegítimos?” Sebastián Lelio habla de ‘Una mujer fantástica’

Desde La sagrada familia (2006), su primer largometraje, el chileno Sebastián Lelio se ha metido siempre entre “las patas de los caballos”, como él dice. Ha tocado conflictos, prejuicios e hipocresías de nuestras sociedades contemporáneas que llevan al espectador a “pensarlo todo de nuevo” o, lo que es lo mismo, a formularse preguntas tan esenciales como las que dan título a esta entrevista. Pero nunca lo ha hecho desde la postura del provocador o del denunciante, que en el fondo es la más convencional, y “aburrida”, añadiría él. Si en su multipremiada Gloria (2013) encontró el adecuado tono pop para contar las peripecias vitales, amorosas y sexuales de una mujer solitaria a punto de entrar “en el otoño de la vida”, en Una mujer fantástica (2017) presenta un brillante melodrama sobre la historia de amor de una mujer transexual. “Un tema que de alguna manera sintetiza muchas cosas por las que estamos pasando como sociedad en Chile, pero también como sociedad humana”, le dice a Antonella Estévez en esta entrevista publicada en CineChile antes del estreno de la película en su país. Una mujer fantástica recibió ayuda de Ibermedia en la Convocatoria 2015, se alzó con el Oso de Oro al Mejor Guión en el Festival de Berlín y acaba de ser nominada a Mejor Película de Habla No Inglesa en los Oscar 2018.
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CAACI

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